Bach: h-Moll-Messe

»Euer Königlichen Hoheit überreiche ich in tiefster Devotion gegenwärtige geringe Arbeit von derjenigen Wissenschaft, welche ich in der Musik erlangt habe; mit ganz untertänigster Bitte, Sie wollen dieselbe nicht nach der schlechten Komposition ansehen, sondern nach Euer Gnaden weltberühmter Milde.«

Betont bescheidene Worte, die Johann Sebastian Bach im Juli des Jahres 1733 an seinen neuen sächsischen Landesherrn Friedrich August II. richtet. Bei der »geringen Arbeit«, handelt es sich um einen Kyrie- und einen Gloria-Satz, schlicht als Missa zusammengefasst. Entstanden waren sie im Frühjahr während der verordneten Landestrauer für den verstorbenen König August des Starken, die das öffentliche Musizieren für sechs Monate untersagte und den Komponisten somit unerwartet von seinen zeitraubenden Pflichten als Leipziger Thomaskantor entband.

Der devote Tonfall, den Bach in seinem Schreiben anschlägt, passt so gar nicht zu der Wertschätzung, die das Werk im Laufe der Zeit erhielt. Denn bei der »schlechten Komposition« handelt es sich um nichts Geringeres als den ersten Teil der h-Moll-Messe, die heute nicht nur Bachs meistgespieltes Großwerk ist, sondern auch als »größtes musikalisches Kunstwerk aller Zeiten und Völker« (so der Verleger Hans Georg Nägeli) gepriesen wird. Was also macht dieses Werk so besonders?

Da wäre zunächst einmal die vertrackte Entstehungsgeschichte, die bis kurz vor Bachs Tod dauert. Die Erweiterung der zwei Sätze erfolgt zwischen August 1748 und Oktober 1749 vor dem Hintergrund einer ausgedehnten Beschäftigung des Komponisten mit lateinischer Kirchenmusik. Lange wurde sogar bezweifelt, dass es sich um ein zusammenhängendes Werk handele, das man als Ganzes im Konzertsaal aufführen könne.

Diese Ansicht gilt inzwischen als widerlegt. Zwar fehlt der Gesamtpartitur ein übergeordneter Titel (der durch die Tonart geprägte Name geht auf Carl Friedrich Zelter zurück), jedoch sprechen musikalische Verweise innerhalb der Komposition, die Nummerierung der Blätter sowie sein Signum »Fine. DSGL« nach dem Schlussstrich für ein Gesamtwerk. Heute darf man also getrost von »der« h-Moll-Messe sprechen.

Bachs Signum »Fine. DSGL« (Deo Soli Gloria, Gott allein zur Ehre) am Ende der h-Moll-Messe:

Darüber hinaus ist es aber vor allem der musikalische Gehalt, der die Messe auszeichnet. Der ästhetische Grundsatz, die ganze Summe seines Könnens in einer Komposition abzubilden, dürfte auch für die Fortsetzung der Messe maßgeblich gewesen sein, die nicht ohne Grund als sein »Opus summum« bezeichnet wird.

Bach vereint in ihr eine Vielfalt von Satzarten, Klang- und Ausdrucksformen, verbindet Altes mit Neuem und macht regen Gebrauch vom damals üblichen »Parodieverfahren«, worunter man (anders als heute) die Umgestaltung eines bereits bestehenden Werks für einen neuen Zweck verstand – für Bach eine dem Komponieren ebenbürtige Tätigkeit.

Als übergeordnetes Prinzip der Messe lässt sich die sukzessive Steigerung des Chorsatzes erkennen. Wie die ersten beiden Sätze ist das Credo fünfstimmig konzipiert; es folgt das sechsstimmige Sanctus und mit der doppelchörig angelegten Achtstimmigkeit des Osanna schließlich der Höhepunkt.

Innerhalb von Bachs Vokalrepertoire bildet das Kyrie eleison den mit Abstand längsten Eingangschor. Mit diesem groß angelegten Beginn werden Anspruch und ästhetischer Rang des Werks definiert. Darauf folgt im Christe eleison ein Duett der zwei Soprane – ein Symbol für Christus als zweite Person der Dreifaltigkeit. Einen starken Kontrast bildet das Gloria: Hier setzt Bach zum Chor erstmals das ganze Orchester ein, das nun eigenständige Stimmen spielt.

Das Credo beginnt mit einer siebenstimmigen Fuge; bei der Melodie selbst handelt es sich um einen gregorianischen Choral. Es endet mit einem jubelnden Schlusschor, von dem Joachim Kaiser schrieb, es mache »garantiert h-Moll-Messen-süchtig«.

Beim Sanctus verwendet Bach einen Satz, den er ursprünglich für den Leipziger Weihnachtsgottesdienst 1724 geschrieben hatte. Der Chor ist vom ersten Takt an präsent und bestimmt damit den liturgischen Charakter dieses Satzes. Osanna und Benedictus trennt Bach – der lutherischen Tradition folgend – davon ab, sodass hier beide Konfessionen überschneiden.

Für die Vertonung des Agnus Dei wählt Bach ein Alt-Solo, das mit g-Moll zum ersten Mal eine b-Tonart in die Messe bringt. Bach hebt damit den expressiven Charakter des Satzes hervor und schafft so ein Gegengewicht zum sonst überwiegenden D-Dur. Im Dona nobis pacem greift Bach auf das Gratias des Gloria-Teils zurück. Indem er beim zweiten Thema die Wortreihenfolge umdreht (pacem dona nobis), betont er besonders das Wort »Frieden«.

Warum genau der alternde Komponist die Vollendung der Messe in Angriff nahm, ist nicht bekannt. Oft wurde daher angenommen, dass es sich um ein inneres Anliegen Bachs gehandelt haben muss und die Messe mehr als ein abstraktes Ideenkunstwerk zu verstehen ist, so wie die beinah zeitgleich entstandene »Kunst der Fuge«. Tatsächlich scheint es, als habe Bach mit der h-Moll-Messe ein über- oder außerkonfessionelles Werk geschrieben.

Jahrzehntelang nur in Teilen aufgeführt – selbst Mendelssohn schreckte 1838 aufgrund der hohen technischen Anforderungen vor einer Gesamtaufführung zurück – avancierte die h-Moll-Messe nach dem Zweiten Weltkrieg zum meistgespielten Großwerk Bachs (noch vor der Matthäus-Passion). Diesen Rang hat sie bis heute inne.

Text: Simon Chlosta

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